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Comment la culture afro-américaine a façonné l’histoire de la danse américaine

Il y a une chose que nous savons tous avec certitude : la culture africaine est inextricablement liée à l’amour de la danse. Mais pourquoi alors, lorsque l’on suit des cours de danse à l’école, on ne nous dit pas que le Lindy Hop, la Salsa ou le Hip Hop viennent de la communauté noire ?

Pourquoi les cours d’histoire se sont-ils toujours concentrés sur les luttes de la communauté africaine, tout en ignorant nombre de leurs contributions artistiques à la conscience américaine ?

Pourquoi la première ballerine principale africaine de l’American Ballet Theatre a-t-elle été sélectionnée récemment ?

À ce stade, en 2021, nous ressentons un besoin profond de rappeler qu’une grande partie de la culture américaine repose sur la colonne vertébrale de la culture africaine.

Dans cet article, nous allons célébrer juste une poignée des contributions incroyables que la culture africaine a apportée à la danse, comme un encouragement à éduquer les gens de toutes les couleurs et comme une lettre d’amour aux enfants africains.

Entrer dans le Swing

Lorsque les médias évoquent les années 1920, nous rencontrons souvent des images de filles pimpantes au visage clair faisant des danses supposées être « les leurs ».

En réalité, le mouvement de danse des années 20 est né dans des communautés noires comme Harlem et New York, où les danseurs inventaient des danses en partenariat pour se marier avec leur style de musique, le jazz.

Des soirées afro-américaines informelles sont nées des danses comme « The Texas Tommy », une danse en deux temps en partenariat avec des swings ludiques qui évolueront plus tard en « Lindy Hop », ainsi que le « Charleston », une danse au rythme rapide parsemée de coups de pied et de bras qui est devenue la danse la plus emblématique de l’époque.

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Même si les foules blanches snobaient fréquemment le danseur noir moyen et les clubs, dans les années 1920 Harlem a connu une vague de fierté et d’exploration créative qui a jeté les bases pour que des danses comme le Lindy Hop se développent au-delà des frontières raciales.

Dans des clubs populaires tels que « The Savoy Ballroom », les danseurs blancs et noirs ont afflué pour entendre des artistes comme Duke Ellington et Count Basie, et les couples noirs ont ouvert la voie en expérimentant des acrobaties et des mouvements accrocheurs qui ont finalement attiré l’attention des journalistes, des cinéastes et de Broadway.

C’est également de cette floraison de danseurs noirs que nous avons obtenu des trésors nationaux comme Josephine Baker dont les célèbres performances sur scène allaient au-delà du Charleston, pour démontrer des déhanchés extraordinaires qui prépareraient le terrain pour les amateurs de danse comme Beyoncé et Shakira des décennies plus tard.

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Tap Dance, tout est dans le rythme

Lorsqu’il s’agit de célèbres comédies musicales de Broadway et de films musicaux américains, un numéro de « Tap Dance » est souvent considéré comme un incontournable, sinon une exigence.

Cependant, le Tap Dance existait bien avant la scène de Broadway dominée par les blancs.

La danse des claquettes, comme de nombreuses danses, a été alimentée par les expériences vécues partagées par les danseurs africains et les noirs américains. Ce que nous reconnaissons aujourd’hui sous le nom de Tap Dance a été façonné dans les années 1700, lorsque les danseurs noirs ont trouvé des moyens créatifs de fusionner tout, des Jigs irlandais aux danses spirituelles avec des pas africains traditionnels.

Vous pouvez même voir la socialisation et les modes de vie des célèbres danseurs de Black Tap, simplement en observant leurs mouvements.

Par exemple, Bill « Bojangles » Robinson (souvent appelé le père de Tap), connaissait personnellement des danseurs irlandais et expérimentait un style plus vertical, avec une posture plus rigide et des sauts fréquents. Les « Nicholas Brothers », un célèbre duo de danseurs autodidactes, se sont tournés vers un mouvement poly-rythmique plus ancré qui correspondait aux battements de tambour joués par leur père.

Ce n’est que lorsque les comédies musicales du XXe siècle ont commencé à explorer les histoires noires, que le Tap a complètement évolué vers son itération moderne.

Des années avant que Fred Astaire et Gene Kelly ne deviennent synonymes d’American Tap, des danseurs noirs comme Bill «Bojangles» Robinson se mettaient déjà au cinéma. Danseur de claquettes de longue date, Bill Robinson a dansé dans ce film à 70 ans.

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Nouvelles guitares. Nouveaux grooves

Dans les années 1950, les musiciens noirs ont commencé à remplacer les cors et les instruments à cordes traditionnels par des guitares électriques. Ces guitares ont agi comme le son idéal pour mélanger le jazz freeform, le blues, le gospel et le country en une seule forme d’art : le Rock and Roll.

Alors qu’Elvis est incontestablement connu comme le roi du Rock and Roll, son style de musique et de danse existait des années avant sa première représentation sur scène.

Comme beaucoup d’artistes blancs à l’époque, Elvis réenregistrait des chansons de musiciens noirs, plutôt que de créer des œuvres originales. Par exemple, son tube de 1955, « Hound Dog », était une version modifiée de « Hound Dog » de Big Mama Thornton, sorti en 1952.

Donc, bien sûr, il n’est pas choquant que les grooves «signature» d’Elvis aient été inspirés par des artistes noirs comme Chuck Berry, qui pointaient ses genoux vers l’intérieur et tournoyaient sur scène.

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Tout au long des années 50 et au début des années 60, les enfants blancs ont dansé sur des chansons noires dans leurs juke-box et se tournaient intentionnellement vers des adolescents noirs pour apprendre de nouveaux mouvements de danse.

Par exemple, l’une des danses les plus célèbres du début des années 60, le « Twist », s’est répandue comme une traînée de poudre après que Dick Clark ait vu des enfants blancs copier le passage des enfants noirs dansant au chanteur OG de « The Twist », Hank Ballard. Clark l’a présenté dans son émission « American Bandstand », mais seulement après avoir demandé à un artiste de musique blanc de réenregistrer la chanson pour s’assurer qu’elle n’était pas « trop suggestive » pour son public.

Pendant ce temps, des programmes plus petits comme le « Mitch Thomas Show » (AKA Black Bandstand) sont devenus le lieu pour apprendre de nouveaux mouvements en partenariat, des danses en ligne et des pas singuliers directement à partir de la source.

Amour de soi et danses de rue

Au cours des années 1970, l’American Bandstand a été éclipsé par « Soul Train », un spectacle national qui mettait en vedette des artistes de musique et des danseurs noirs qui se frayaient un chemin vers les spectateurs.

Le « Locking » est devenu un style populaire dans la série, car il était fortement axé sur l’amour de soi et la fierté que les noirs américains étaient plus que prêts à exprimer.

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Les noirs américains vivant sur la côte ouest ont également commencé à expérimenter le mélange de mouvements fluides et libres avec des mouvements musculaires frappants, pour former le style « Popping ».

On peut voir par exemples des danseurs comme OG Poppers connu comme « Pop’in Pete » et Lockers connu comme « Don Campbellock », partager leurs styles sur Soul Train et influencer la façon dont les gens dansaient à travers le pays.

Sur la côte Est, des soirées « Hip-Hop » dirigées par des Dj et des danseurs noirs ont commencé à s’emparer du South Bronx, introduisant le « Breaking », un style de danse mettant en vedette des mouvements athlétiques qui ont donné aux jeunes danseurs noirs un moyen de s’exprimer et de s’affronter lors de « Battle », sans s’engager dans des gangs.

Le Breaking est un style tellement engageant à regarder, que ce sera la première danse à devenir un sport olympique en 2024 !

Une ère d’icônes

En 1981, le lancement de « MTV » a introduit dans les foyers des styles et des mouvements de danse mis au point par la communauté noire grâce à des vidéos produites à partir d’icônes de la musique telles que :

Michael Jackson

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Fait amusant ! MJ a appris nombre de ses mouvements emblématiques des membres de la célèbre équipe de Popping « The Electric Boogaloos ». Vous pouvez voir The Electric Boogaloos exécuter les mouvements préférés de MJ comme le backslide (AKA the Moonwalk) sur Soul Train.

Et Salt-N-Pepa

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Pendant ce temps, sur la scène de la danse traditionnelle, des danseurs noirs formés aux styles de danse européens brisaient les barrières et faisaient des remous.

En 1980, la danseuse et chorégraphe Debbie Allen a été saluée par la critique pour ses rôles dans les adaptations cinématographiques et télévisées de « Fame », avant de diriger et de chorégraphier des dizaines de produits de base américains tels que « Cat On a Hot Tin Roof » et « The Fresh Prince of Bel Air ».

En 2001, elle a fondé la « Debbie Allen Dance Academy » où elle perpétue son héritage, encourageant les jeunes danseurs noirs qui veulent tout apprendre du ballet au Hip-Hop.

Une autre star notable des années 1980 est Lauren Anderson, une ballerine noire qui a été promue danseuse principale du Houston Ballet en 1983. Comme beaucoup de ballerines noires avant elle, Anderson a appris qu’elle « n’avait pas le corps pour le ballet », mais son talent et l’éthique était indéniable.

Aujourd’hui, Anderson se consacre à l’enseignement de ceux qui étaient auparavant exclus de la communauté du ballet.

Des fêtes à la maison aux chansons pop à succès

Alors que Breaking était le style de danse original lancé par la culture Hip-Hop, les jeunes danseurs noirs du Hip-Hop ont commencé à intégrer des mouvements festifs plus faciles à apprendre comme « The Prep » et « The Running Man » dans leurs sessions au début des années 1980.

Des danseurs comme Buddha Stretch (qui a rapproché les époques Old ’Skool et New Skool) ont commencé à emmener leurs danses festives préférées avec eux pour se produire dans des clubs.

Les performances étaient si populaires que les mouvements ont attiré l’attention non seulement des foules, mais aussi des musiciens qui voulaient les intégrer dans leur chorégraphie de vidéoclips.

Buddha Stretch a ensuite chorégraphié pour des artistes tels que Michael Jackson dans « Remember the Time » et Will Smith dans « Gettin’ Jiggy Wit It ». Cela a propulsé des mouvements de soirées Hip-Hop sur les écrans de jeunes à travers l’Amérique.

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« La danse est la célébration de la vie, et chacun veut pouvoir le faire sur la musique qu’il aime. Au fur et à mesure que de plus en plus de disques de rap et de hip-hop se vendent, les danses se propagent avec la musique tout aussi vite. »

Buddha Stretch

Des films comme « House Party » ont également montré ce qui se passait dans les espaces afro-américains au reste du monde, et les danseurs Black Hip-Hop ont invité tout le monde à se joindre à la danse, à condition de le faire dans un lieu d’authenticité et de respect.

Si vous connaissez des TikTokers qui ne savent pas d’où viennent certains de leurs mouvements… dirigez-les vers cette vidéo ;)

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Des émissions de télévision comme The Fresh Prince of Bel Air ont fait leurs débuts avec certains des mouvements et des moments les plus emblématiques de l’histoire de la danse, tout en montrant au public un aspect complètement différent de ce à quoi la vie des noirs pourrait ressembler.

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‍À la mi-temps des matchs de basket, les Dj noirs ont gonflé les jams du stade et invité toute la foule à exécuter des mouvements afros comme le « Tootsee Roll » à l’unisson.

Même les chorégraphies inoubliables de « Baby One More Time » de Britney, « Bye Bye Bye » de NSYNC ou « Everybody » des Backstreet Boys ont été créées par des chorégraphes noirs.

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À cette époque, l’impact de la créativité noire dans le monde de la danse ne pouvait plus être considéré comme faisant partie de la culture américaine, il définissait la culture américaine.

La danse noire prend le devant de la scène

Au moment où le nouveau millénaire est arrivé, le Hip-Hop et le Rap représentaient 90% de la musique jouée lors des fêtes et des danses scolaires à travers le pays.

Qui se souvient… « Crank That », « Pop, Lock, and Drop It », « The Stanky Legg », « The Jerk », …

Mais ce ne sont pas seulement les mouvements qui sont sortis de la culture à cette époque. Les danseurs noirs répétaient encore des styles de mouvement entièrement nouveaux.

Pour les enfants noirs pauvres vivant dans des quartiers difficiles de Los Angeles, les danseurs Tight Eyez & Big Mijo ont lancé la forme d’art « Krump » qui permettait aux jeunes danseurs d’exprimer les luttes qu’ils ressentaient à travers un mouvement percutant basé sur la narration.

La forme d’art est toujours utilisée pour exprimer le pouvoir et la douleur des noirs plus d’une décennie plus tard.

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Sur la côte Est, la communauté « Lite Feet » s’est installée dans des wagons de métro à travers la ville de New York, où de jeunes danseurs noirs se sont rassemblés pour exécuter des mouvements explosifs sous les applaudissements des spectateurs.

Et grâce à MTV et YouTube, toutes les filles à travers l’Amérique (et le monde, vraiment) se sont retrouvées à copier Beyoncé…

Son travail au sol rapide dans « Crazy in Love », ses puissants mouvements de hanche dans « Single Ladies », ses doux grooves dans « Love on Top »

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Sur une autre scène, à travers l’Amérique, Misty Copeland changeait le jeu d’une manière totalement différente.

En tant que première ballerine noire à être promue danseuse principale de l’American Ballet Theatre, Copeland est devenue un nouveau symbole des danseurs noirs capables de prendre de la place dans le style de danse de leur choix.

Ayant grandi dans la pauvreté et lutté contre plusieurs obstacles à son succès en tant que danseuse, Copeland s’est prononcée contre le blackface encore présent utilisé dans la communauté du ballet et a consacré sa vie à réinventer l’apparence des corps du ballet.

Interrogée sur la dissonance entre la façon dont les danseurs noirs se sont perçus et la façon dont ils ont été représentés à travers l’histoire, elle dit simplement:

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« Il est temps d’écrire notre propre histoire. »

Misty Copeland

Nous espérons que vous avez aimé en apprendre davantage sur les nombreuses cultures noires puissantes qui ont façonné la danse américaine, mais bien sûr, ce ne sont que quelques fils dans une tapisserie plus large d’œuvres noires étonnantes.

Afin de s’assurer que la prochaine génération d’enfants noirs ne grandisse pas dans l’indifférence de leur histoire culturelle, plus concentrés sur la douleur que sur la fierté, il est essentiel d’apprendre, d’enseigner et de grandir ensemble.

Et il est tout aussi essentiel pour tous les américains de cultiver l’amour et le respect des cultures qui ont façonné leur vie quotidienne.

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